Synthesizer für Einsteiger: Wie funktioniert analoge Klangsynthese?

Einleitung

Analoge Klangsynthese mag im ersten Moment kompliziert klingen – mit Begriffen wie Oszillator, Filter, Hüllkurve und LFO. Doch keine Sorge: Die Grundlagen sind schnell verstanden, denn viele klassische Synthesizer arbeiten nach dem gleichen Prinzip. In dieser Synthesizer Basics-Episode erklären wir einsteigerfreundlich die subtraktive Synthese – also die Art von Klangerzeugung, bei der ein harmonisch reiches Signal nachträglich gefiltert wird. Dabei stellen wir typische Module wie Oszillator, Filter, Hüllkurve (ADSR), VCA (Verstärker) und LFO vor, erklären Begriffe wie Wellenformen, Cutoff, Resonanz und Modulation, und zeigen einen typischen Signalfluss an einem praktischen Beispiel. Außerdem werfen wir einen Blick auf einige Synthesizer-Modelle (z.B. Moog Subsequent37, Korg Minilogue XD, Arturia Minifreak, ASM Hydrasynth Explorer, Sequential Take5, Korg microKORG2) mit kurzer Beschreibung und Einschätzung für Einsteiger. Am Ende gibt es noch Kaufempfehlungen – worauf sollte man als Anfänger achten und welche Geräte sind besonders geeignet? Los geht’s!

Subtraktive Synthese – Grundprinzip

Subtraktive Synthese ist das verbreitete Konzept vieler analoger und virtuell-analoger Synthesizer. Hierbei wird ausgehend von einem klanglich reichhaltigen Signal durch nachgeschaltete Filter der gewünschte Klang „herausgeformt“. Einfach gesagt: Oszillatoren erzeugen einen obertonreichen Klang, und ein Filter „subtrahiert“ (entfernt) bestimmte Frequenzanteile, um die Klangfarbe zu formen. Dieses Prinzip wird in den meisten Synthesizern nach dem sogenannten Moog-Prinzip genutzt – wenn dein Synth also ein oder mehrere Oszillatoren und ein Filter hat, handelt es sich höchstwahrscheinlich um einen subtraktiven Synthesizer.

Das Schöne daran: Obwohl Synthesizer je nach Modell unterschiedlich ausgestattet sind, ähneln sich die Grundbausteine sehr. Hat man das Prinzip einmal verstanden, kann man es auf viele Geräte übertragen. Im Folgenden schauen wir uns den Signalfluss und die Module eines typischen analogen Synths an.

Signalfluss: Vom Oszillator zum Ausgang

Abbildung: Vereinfachtes Blockdiagramm eines subtraktiven Synthesizers.

Links erzeugen ein oder zwei Oszillatoren (OSC A/B) den Klang, der dann in einem Mixer gemischt und durch das Filter (VCF) geleitet wird. Anschließend geht das Signal in den Verstärker (VCA) zur Lautstärkeregelung. Ein LFO (Low Frequency Oscillator) kann als Modulator dienen, z.B. für Vibrato oder Tremolo, und eine Hüllkurve (EG = Envelope Generator) steuert dynamisch Parameter wie Lautstärke oder Filterfrequenz im Zeitverlauf. Am Ende steht das Ausgangssignal (OUT), das wir als Ton hören.

Wie man sieht, gliedert sich ein analoger Synthesizer also in Klangquellen (Oszillator, ggf. Rauschgenerator), Klangformer (Filter) und Verstärker, plus Modulationsquellen (Hüllkurven, LFOs) zur zeitlichen Beeinflussung. Schauen wir uns diese Bestandteile nun im Detail an.

Oszillator – Klangquelle und Wellenformen

Der Oszillator (englisch Oscillator, oft als VCO = Voltage Controlled Oscillator bezeichnet) ist die wichtigste Klangquelle im Synthesizer. Hier entstehen die elektrischen Schwingungen, die später zu hörbaren Schallwellen werden. Ein Synth kann einen oder mehrere Oszillatoren besitzen – viele klassische Analogsynths haben z.B. zwei VCOs, um fettere Sounds durch Detuning oder Kombination verschiedener Wellenformen zu erzeugen.

Ein Oszillator liefert in der Regel einfache Grundschwingungsformen (oft umgangssprachlich Wellenformen genannt) wie Sägezahn, Rechteck (Puls), Dreieck oder Sinus. Diese Grundwellenformen haben jeweils charakteristische Klangeigenschaften, da sie unterschiedlich viele Obertöne enthalten. Sägezahn und Rechteck klingen hell und bissig, weil sie sehr obertonreich sind, während Dreieck deutlich weniger Obertöne besitzen, Sinus gar keine und daher weicher bzw. dumpfer klingen. Nicht jeder Synthesizer bietet alle Wellenformen an – z.B. ist ein reiner Sinus bei analogen VCOs eher selten, da er keinen Obertongehalt für Subtraktive Synthese bietet.

Wellenformen eines Synthesizer-Oszillators:

Links ein Sinus (glatte Kurve), daneben Sägezahn (steiler Anstieg, Sägezahnprofil), eine Dreickswelle und rechts ein Rechteck mit 50% Pulsbreite. Diese Wellenformen unterscheiden sich stark in ihrer Obertonstruktur und damit im Klang. Sägezahn und Rechteck enthalten viele Obertöne (klingen brillant und schneidend), während Dreieck deutlich weniger und Sinus gar keine Obertöne aufweisen und entsprechend weicher bzw. dumpfer klingen.

Neben der Auswahl der Wellenform kann ein Oszillator je nach Synth weitere Einstellungen bieten: Zum Beispiel Oktavlage (32’/16’/8’/4’ – entsprechend tiefere oder höhere Tonlagen), Tune-Regler (für Feinstimmung oder grobe Frequenzverschiebung), Sync und Ringmodulation (für komplexere Obertonstrukturen zwischen zwei Oszillatoren) u.v.m. Manche Synths haben einen Suboszillator, der meist eine Oktave unter dem Hauptoszillator liegt und dem Sound mehr Fundament verleiht. Zudem gibt es oft einen Rauschgenerator (Noise), der weisses oder rosa Rauschen erzeugt – ideal für perkussive Sounds, Effekte oder um einem Klang etwas Verrauschtes beizumischen. All diese Klangquellen werden schließlich im Mixer (Mischpult-Sektion des Synths) zu einem Gesamtsignal kombiniert, das dann ins Filter weitergeleitet wird.

Filter – Klangformung mit Cutoff und Resonanz

Das Filter (häufig als VCF = Voltage Controlled Filter bezeichnet) ist die Sektion, die maßgeblich die Klangfarbe formt. In subtraktiven Synths kommt vor allem das Tiefpassfilter (Low Pass) zum Einsatz. Ein Tiefpass lässt alle Frequenzen unterhalb einer einstellbaren Cutoff-Frequenz passieren und dämpft die Frequenzen darüber. Praktisch bedeutet das: Dreht man den Cutoff-Regler ganz auf (hoch), werden kaum Obertöne abgeschnitten – der Sound bleibt hell und brillant. Regelt man Cutoff herunter, kappt man immer mehr hohe Frequenzen und der Klang wird dunkler und wärmer, mit weniger Höhen.

Viele Synthesizer bieten neben dem obligatorischen Tiefpass auch weitere Filtertypen, z.B. Hochpassfilter (die das Gegenteil machen und tiefe Frequenzen absenken) oder Bandpassfilter (die nur einen bestimmten Frequenzbereich um die Cutoff-Frequenz kappen). Für Einsteiger ist der Tiefpass aber der wichtigste, da er den typischen Wah-wah-Effekt beim Drehen des Cutoffs erzeugt.

Ein weiterer entscheidender Regler am Filter ist die Resonanz. Dabei wird die Frequenz direkt um den Cutoff-Punkt herum verstärkt (durch eine Rückkopplung im Filter). Bei moderater Resonanz klingt der Filtereffekt prägnanter – man hört Bewegung beim Sweepen deutlicher. Bei hoher Resonanz fängt das Filter an, sehr scharf zu klingen; es pfeift oder „zwitschert“ regelrecht und kann bei maximaler Resonanz sogar selbstständig als Sinusoszillator schwingen. In vielen Synths lässt sich außerdem einstellen, wie stark das Filter von einer Hüllkurve beeinflusst wird (oft Envelope Amount/Depth genannt) – dazu gleich mehr im Abschnitt Hüllkurve.

Zur Praxis: Mit Cutoff und Resonanz lassen sich aus dem rohen Oszillator-Signal unterschiedlichste Klangfarben zaubern. Ein weicher Pad-Sound hat z.B. einen relativ niedrigen Cutoff (wenig Höhen) und keine oder wenig Resonanz. Ein aggressiver Acid-Bass hat mittleren Cutoff, der mit hoher Resonanz moduliert wird (bekanntes Zwitschern). Durch Drehen am Cutoff-Regler in Echtzeit kann man Filterfahrten erzeugen – ein grundlegender Soundeffekt in vielen elektronischen Musikstilen.

Verstärker (VCA) – Lautstärkekontrolle und Hüllkurve

Nachdem der Klang das Filter durchlaufen hat, gelangt er in den Verstärker (Amp, meist VCA = Voltage Controlled Amplifier). Hier wird letztlich die Lautstärke geregelt. Im einfachsten Fall könnte der Verstärker den Ton einfach sofort an- und ausschalten, sobald eine Taste gedrückt bzw. losgelassen wird. Das wäre allerdings sehr abrupt und klingt unmusikalisch (in der Natur kommen solch harte Einsätze kaum vor). Deshalb wird der VCA fast immer von einer Hüllkurve begleitet, die das Ein- und Ausschwingen des Lautstärkeverlaufs formt.

Stell dir vor, du drückst eine Taste: Ohne Hüllkurve wäre der Ton sofort voll da und würde beim Loslassen sofort verstummen. Mit einer Hüllkurve kann der Ton hingegen weich einblenden, gehalten werden und ausklingen – viel angenehmer. Der VCA setzt also letztlich die Hüllkurven-Steuerung in Lautstärke um. Übrigens: Im Signalfluss-Diagramm oben ist der Envelope Generator (EG) genau hierfür zuständig – er liefert ein Steuersignal, das den VCA im Zeitverlauf moduliert.

Manche Synthesizer bieten einen dedizierten Lautstärke-Regler (Volume) pro Oszillator im Mixer und/oder einen Master-Volume. Diese beeinflussen jedoch einfach linear den Pegel. Die dynamische Lautstärkeformung pro Note übernimmt immer die Hüllkurve am VCA. In komplexeren Setups (z.B. modulare Systeme) kann man VCAs auch für andere Zwecke einsetzen – allgemein immer dann, wenn ein Steuersignal die Amplitude eines anderen Signals verändern soll.

Hüllkurve (ADSR) – Klangverlauf über die Zeit

Hüllkurven (engl. Envelopes) sind Modulationsquellen, die Veränderungen über die Zeit steuern. In einem typischen Synthesizer werden Hüllkurven mindestens für Lautstärke, oft auch für Filter-Cutoff und teilweise Tonhöhe eingesetzt. So kann ein Klang beispielsweise hell beginnen und dann dunkler werden, oder leise starten, lauter werden und langsam verklingen – all das mithilfe von Hüllkurven. Die meisten Synthesizer haben ein bis drei Hüllkurvengeneratoren; einfache Geräte eventuell nur eine einzige, die dann entweder auf die Lautstärke oder gleichzeitig auf mehrere Ziele wirkt. Bessere Synths erlauben pro Ziel eine eigene Hüllkurve (z.B. separate ADSR für Amp und Filter).

Die verbreitetste Form ist die ADSR-Hüllkurve – benannt nach ihren vier Phasen Attack, Decay, Sustain, Release. Diese vier Parameter funktionieren folgendermaßen:

• Attack (Anschwellzeit): Wie lange dauert es, bis der Pegel vom Tastendruck aus auf Maximum ansteigt? Kurze Attack-Zeit = Ton kommt sofort, lange Attack = Ton fadet langsam ein.
• Decay (Abfallzeit): Nachdem der Peak erreicht ist, fällt der Pegel auf ein Halteniveau ab. Die Decay-Zeit bestimmt, wie lange dieser Abfall vom Maximum auf das Sustain-Level dauert.
• Sustain (Haltepegel): Dieses Pegel-Niveau wird gehalten, solange die Taste gedrückt bleibt. Sustain ist also kein Zeitfaktor, sondern ein Level, auf dem der Ton „stehenbleibt“, bis man die Taste loslässt.
• Release (Ausklangzeit): Wird die Taste losgelassen (Note-Off), bestimmt Release, wie lange der Ton zum Verklingen braucht, bis der Pegel wieder auf Null abgesunken ist.

Wichtig: Attack, Decay und Release sind Zeitparameter, Sustain ist ein Pegelwert. In der Praxis bedeutet ein hoher Sustain z.B., dass der Ton beim Halten recht laut bleibt; ein niedriger Sustain, dass er nach dem Decay nur leise weiterklingt. Durch Variation dieser vier Einstellungen kann man sehr unterschiedliche Klangcharaktere erzeugen – von knackigen, kurzen Sounds (kurzer Attack, kurzer Decay, kein Sustain, kurzer Release) bis zu weichen, flächigen Sounds (längerer Attack, mittlerer Sustain, langer Release).

Die Hüllkurven müssen dem gewünschten Ziel zugewiesen sein, damit sie wirken. Meist ist bei einem subtraktiven Synth mindestens die Lautstärke-Hüllkurve fest dem VCA zugeordnet (Amp Envelope). Oft gibt es eine zweite Hüllkurve, die auf das Filter wirkt (Filter Envelope). Die Intensität, mit der eine Hüllkurve ihr Ziel beeinflusst, lässt sich über einen Depth/Amount-Regler einstellen – so kann man z.B. festlegen, wie stark die Filterhüllkurve den Cutoff nach oben treibt. Einige Synthesizer erlauben auch flexiblere Modulationsmatrix-Routings, wo man Hüllkurven auf beliebige Ziele schicken kann. Für den Einstieg reicht aber: ADSR-Hüllkurven sind die Geheimzutat, damit ein statischer Ton lebendig und dynamisch klingt.

LFO – Modulation für lebendige Klänge

Ein LFO (Low Frequency Oscillator) ist im Prinzip ein Oszillator mit niedriger Frequenz, der nicht direkt hörbar ist, sondern als Modulator für andere Parameter dient. Typischerweise schwingt ein LFO im Bereich von weit <1 Hz bis ein paar Dutzend Hz – also langsamer als der hörbare Tonbereich. Diese gleichmäßige Schwingung kann man nun auf z.B. die Tonhöhe, die Lautstärke oder den Filter-Cutoff draufgeben, um periodische Schwankungen zu erzeugen. Dadurch entstehen Effekte wie Vibrato (LFO moduliert Tonhöhe), Tremolo (LFO moduliert Lautstärke) oder ein sich periodisch öffnendes und schließendes Filter (LFO moduliert Cutoff für einen Wah-Wah-Effekt). Ein LFO sorgt also für Bewegung im Klang – von sanften, langsamen Verläufen bis zu schnellen, trillenden Effekten.

Auch LFOs haben meist einstellbare Wellenformen ähnlich wie Oszillatoren (z.B. Dreieck, Rechteck, Sägezahn, Sinus, Zufallsmodulation). Außerdem gibt es einen Rate-Regler für die Geschwindigkeit (wie schnell moduliert es? in Hz oder zu Tempo synchronisiert) und eine Depth- oder Intensity-Regelung, die bestimmt, wie stark das LFO-Signal auf das Ziel wirkt. Oft kann man LFOs auch synchronisieren (Key Sync o. Retrigger), sodass sie bei jeder neuen Note von vorn starten, oder sie freilaufend im Hintergrund schwingen lassen.

Viele Einsteiger fragen sich: Modulation – was bedeutet das genau? Der Begriff Modulation meint im Synthesizer-Kontext einfach die Steuerung eines Parameters durch ein anderes Signal. Der LFO ist eine Modulationsquelle, ebenso wie die Hüllkurven – beide verändern automatisch im Verlauf der Zeit z.B. die Stimmung des Oszillators, die Cutoff-Frequenz oder die Lautstärke. Ohne Modulation wären Synth-Sounds statisch; durch Modulatoren werden sie lebendig und interessant. Wichtig ist: Modulation ist immer frei dosierbar – man kann viel oder wenig Vibrato haben, ein Filter ganz langsam oder schneller öffnen lassen etc., je nach musikalischem Bedarf.

Praxisbeispiel: Ein Sound entsteht

Wie greifen nun diese Module und Modulatoren ineinander? Schauen wir uns einen typischen Signalfluss bei subtraktiver Synthese an, Schritt für Schritt, anhand eines einfachen Beispiels:

• 1. Oszillator einstellen: Angenommen wir möchten einen warmen Flächensound (Pad) erzeugen. Wir wählen am Oszillator eine Sägezahn-Wellenform, weil sie reich an Obertönen ist und sich gut für dichte Klänge eignet. Der Oszillator wird vom Keyboard in der richtigen Tonhöhe gespielt (jede Taste steuert die Frequenz des VCO entsprechend). Wenn der Synth mehrere Oszillatoren hat, könnten wir zwei leicht gegeneinander verstimmen (Detune), um einen breiteren Klang zu bekommen.
• 2. Mischung und zusätzliches Klangmaterial: Wir mischen ggf. einen Suboszillator dazu, um mehr Bassfundament zu erhalten, oder etwas Noise, um dem Sound Luftigkeit zu verleihen. Diese Signale werden im Mixer zum Oszillator-Signal hinzugemischt. Jetzt haben wir ein sehr obertonreiches, volles Signal – roh klingt es wahrscheinlich noch zu grell oder harsch.
• 3. Filter formen: Als nächstes geht dieses Signal ins Filter. Für unser Pad-Sound-Beispiel drehen wir den Cutoff etwas zurück, sodass die ganz scharfen Höhen gedämpft werden – der Klang wird wärmer. Die Resonanz setzen wir niedrig, da wir keinen pfeifenden Klanganteil wollen. Eventuell nutzen wir eine Filterhüllkurve (eine zweite ADSR, die auf den Cutoff wirkt): Zum Beispiel könnte der Attack der Filterhüllkurve langsam ansteigen, sodass der Sound anfangs dumpfer ist und dann mit etwas Verzögerung heller wird, was dem Pad einen schwebenden Charakter gibt. Die Stärke dieses Effekts regeln wir über Envelope Depth am Filter.
• 4. Lautstärkeverlauf mit Hüllkurve: Parallel dazu haben wir die Amp-Hüllkurve (Lautstärke) eingestellt. Für einen flächigen Klang wählen wir einen langsamen Attack (der Sound soll weich einblenden), einen relativ hohen Sustain (damit das Halte-Level kräftig bleibt, solange die Taste gedrückt ist) und einen ausklingenden Release, damit der Ton nicht abrupt abbricht, wenn wir die Taste loslassen. Die Decay-Time stellen wir so ein, dass der Übergang vom Attack-Peak zum Sustain-Level sanft ist. Ergebnis: Drücken wir eine Taste, schwillt der Sound langsam an, hält gleichmäßig und verklingt sanft – ideal für einen Pad-Teppich in einem Song.
• 5. LFO-Modulation hinzufügen: Jetzt kommt noch Bewegung ins Spiel. Wir könnten einen LFO verwenden, um dem Pad ein leichtes Vibrato zu geben – dazu routen wir z.B. LFO1 auf die Oszillator-Stimmung (Pitch) in geringer Intensität und mittlerer Geschwindigkeit. So schwankt die Tonhöhe minimal, was den Sound lebendiger macht. Alternativ oder zusätzlich könnte ein zweiter LFO langsam den Filter-Cutoff modulieren, sodass der Pad-Klang dezent in regelmäßigen Wellen dunkler und heller wird (ein Effekt, der oft als „Filter LFO Sweep“ genutzt wird). Auch ein bisschen Tremolo (LFO auf VCA) ist denkbar, aber bei Pads eher sparsam dosieren, damit es nicht zu wackelig wird.
• 6. Feinschliff und Effekte: Der Grundsound steht! Je nach Synthesizer könnten wir nun noch Effekte hinzufügen, falls vorhanden – etwa etwas Chorus oder Hall, um dem Pad mehr Atmosphäre zu geben. Das fällt zwar nicht mehr unter die eigentliche Klangsynthese, aber viele moderne Synths haben eingebaute Effekte nach dem Verstärker, um den Klang abzurunden.

Wie man sieht, greifen bei einem Sound alle Komponenten ineinander: Oszillatoren liefern das Material, Filter formt das Frequenzspektrum, Hüllkurven und LFOs modulieren Verlauf und Bewegung, und der VCA setzt das Ganze in Lautstärke um. Mit etwas Übung wird dieses Zusammenspiel logisch und man kann gezielt Klänge programmieren. Wichtig ist, die Extremfälle auszuprobieren: Was passiert, wenn ich den Cutoff ganz zu oder auf mache? Wie klingt ein kurzer vs. langer Attack? Wie wirkt sich viel Resonanz aus? – Durch Experimentieren lernt man die Auswirkungen am besten kennen.

Beispiele für einsteigerfreundliche Synthesizer-Modelle

Zum Abschluss des Theorie-Teils schauen wir uns ein paar beliebte Synthesizer an, die oft für Einsteiger empfohlen werden oder sich aufgrund ihrer Ausstattung gut zum Lernen eignen. Es gibt natürlich viel mehr Modelle am Markt, aber die folgenden stehen exemplarisch für verschiedene Ansätze – von rein analog bis digital-hybrid – und decken unterschiedliche Budgets ab. Wir geben jeweils eine Kurzbeschreibung und wie einsteigerfreundlich wir das Gerät einschätzen:

• Moog Subsequent 37 – Analoger Paraphonie-Monosynth (2 Oszillatoren): Ein hochwertiger 37-Tasten-Synth mit dem legendären Moog-Sound. Durch die vielen Direkt-Regler (für nahezu jeden Parameter ein eigener Knopf) ist die Bedienung intuitiv – ideal, um das zuvor Erlernte praktisch anzuwenden. Klanglich liefert der Subsequent 37 mächtige Bässe und Leads; er speichert auch Presets, was für Anfänger hilfreich sein kann. Einschätzung: Fantastisch klingender Synth für ambitionierte Einsteiger – allerdings mit ca. 2000CHF auch eine teure Investition. Fürs kleine Budget gibt es einfache Alternativen, doch wer es ernst meint und den Moog-Klang will, bekommt hier ein inspirierendes Instrument in die Hand.
• Korg Minilogue XD – 4-stimmiger Hybrid-Polyphonsynth: Der Minilogue XD ist die Weiterentwicklung des erfolgreichen analogen Minilogue. Er bietet vier Stimmen (Akkorde spielen möglich) und kombiniert zwei analoge VCOs mit einem digitalen Multi-Engine-Oszillator plus digitalen Effekten. Die Oberfläche ist übersichtlich mit vielen Reglern, ein kleines Display hilft bei Einstellungen. Für Einsteiger ist dieses Gerät super: Man kann subtraktive Synthese in Reinform üben (klassischer VCO-VCF-VCA-Signalfluss) und hat zugleich moderne Extras (Sequencer, Oszillator-Erweiterungen) an Bord. Preislich um ~600 CHF, ist der Minilogue XD ein Top-Tipp für alle, die einen ersten polyphonen Synth suchen.
• Arturia MiniFreak – 6-stimmiger hybrider Synthesizer: Der MiniFreak ist ein spannendes Instrument, denn er vereint digitale Klanggeneratoren (zwei vielseitige Oscillator-Engines mit zahlreichen Wellenformen und Synthese-Modi) mit einem analogen Filter. Man könnte ihn als großen Bruder des MicroFreak bezeichnen, allerdings mit 6-stimmiger Polyphonie und sogar einem kleinen Sequencer/Arpeggiator. Für Einsteiger bietet der MiniFreak den Vorteil von vielen Presets und einem inspirierenden Klangspektrum – von analog emulierten Sounds bis hin zu experimentellen digitalen Texturen. Die Bedienung erfordert aufgrund der vielen Möglichkeiten etwas Einarbeitung, ist aber durch durchdachte Regler und ein Display gut machbar. Wer Spaß am Entdecken neuer Klänge hat und nicht nur klassische Analogsounds will, findet hier ein leistungsfähiges Instrument zum fairen Preis (~600 CHF).
• ASM Hydrasynth Explorer – 8-stimmiger digitaler Wavemorphing-Synth: Der Hydrasynth in der kompakten Explorer-Version bietet einen mächtigen digitalen Sound-Engine mit 3 Oszillatoren (219 Wellenformen, Wavetable-Morphing, umfangreiche Modulationsmöglichkeiten) und einem reichhaltigen Modulationsmatrix-System. Besonders hervorzuheben ist die Polyphonie (8 Stimmen) und die polyphone Aftertouch-Klaviatur, was Ausdrucksspielraum eröffnet. Für Anfänger mag der Hydrasynth auf den ersten Blick komplex wirken – tatsächlich hat er sehr viele Funktionen – doch er kommt mit hunderten von Presets, an denen man lernen und herumspielen kann. Die Bedienung ist durch ein durchdachtes Menü-/Button-System erstaunlich zugänglich, aber weniger „knob-per-function“ als etwa ein analoger Moog. Einschätzung: Ein hervorragender Synth für Soundtüftler und solche, die gleich tief eintauchen wollen, aber vielleicht nicht der klassisch einfachste Lehr-Synth. Wer technisch affin ist und die Vielfalt moderner Synthese schätzt, kann jedoch auch als Einsteiger mit dem Hydrasynth Explorer langfristig glücklich werden.
• Sequential Take 5 – 5-stimmiger analoger Polysynth: Der Take 5 stammt von Sequential (Dave Smith Instruments) und bringt den begehrten Prophet-ähnlichen Analog-Sound in ein kompakteres Format mit 44 Tasten. Pro Stimme gibt es zwei VCOs + Suboszillator, dazu ein klassisches resonantes Tiefpassfilter – also echte Analogsynthese vom Feinsten. Die Architektur ist traditionell, und dank großzügiger Anzahl an Reglern ist die Bedienung sehr direkt und lehrreich: Man sieht sofort, was man tut. Mit rund 1450 CHF ist der Take 5 allerdings im höherpreisigen Segment. Für Einsteiger mit großem Budget, die vollen Analogsound wünschen, ist er eine fantastische Option – man lernt daran wirklich die analoge Klangsynthese in allen Details kennen. Wer jedoch erst mal klein anfangen will, erhält ähnliches Lernpotenzial auch bei günstigeren Geräten (wenn auch mit Abstrichen beim Soundumfang).
• Korg microKORG 2 – Kompakter virtuell-analoger Synth/Vocoder: Der microKORG ist ein Klassiker unter den Einsteigersynths – seit 2002 weit verbreitet. Der neue microKORG 2 führt dieses Erbe fort und modernisiert es (u.a. mit besserem Sequencer/Looper und der Möglichkeit, digitale Oszillator-Plugins via Korgs Logue SDK zu laden). Der microKORG 2 ist vierstimmig polyphon und arbeitet virtuell-analog, d.h. digitale Klangerzeugung mit analogem Modeling. Typisch sind der winzige Formfaktor mit 37 Mini-Tasten und das eingebaute Vocoder-Mikrofon – ein Alleinstellungsmerkmal, das gerade spielerisch veranlagte Einsteiger lieben. Ab Werk sind viele Presets an Bord, die einen Großteil elektronischer Genres abdecken, sodass man sofort loslegen kann, ohne programmieren zu müssen. Die Kehrseite: Die Programmierung erfolgt über ein kleines Matrix-Bedienfeld und nicht mit dedizierten Knöpfen für jede Funktion, was etwas Einarbeitung braucht. Einsteiger-Einschätzung: Der microKORG 2 (ca. 500 CHF) ist super, wenn man einen kompakten Alleskönner möchte – zum Jammen, für unterwegs, mit Presets und Vocoder-Spaß. Er hat das Konzept „Synthesizer für jedermann“ überhaupt erst populär gemacht und eine Generation von Musikern inspiriert. Wer allerdings das Schrauben von Sounds von Grund auf lernen will, profitiert eventuell von einem Gerät mit mehr Reglern (z.B. dem Minilogue XD). Dennoch: als erster Synth ist der microKORG (ob alte oder neue Version) nach wie vor eine Spaßmaschine, die einen breiten Einblick in Klänge bietet.

(Hinweis: Preise sind ungefähr und können variieren.)

Fazit

Analoge Klangsynthese ist der perfekte Einstieg in die Welt der Sounds. Ein Synth folgt fast immer demselben Prinzip: Oszillator → Filter → Verstärker, moduliert durch Hüllkurven und LFOs. Sobald du das verstehst, kannst du unzählige Klänge selbst gestalten.

Wichtig ist: Drehen, hören, ausprobieren. Du kannst nichts kaputtmachen – im Gegenteil, so lernst du am meisten. Versuch, Presets nachzubauen und auf deren Aufbau zu achten. Mit einem einsteigerfreundlichen Synth und etwas Neugier merkst du schnell: Klangsynthese ist keine Theorie, sondern purer Spieltrieb mit Sound.